La música después de la Segunda Guerra Mundial

Si el estudio del período de entre guerras es especialmente complejo, en tanto en cuanto existe una terrible disgregación de estilos en función de esas vanguardias artísticas, en la música hecha después de la Segunda Guerra Mundial se acentúa especialmente este hecho, siendo un proceso complicado dibujar en estas breves líneas un panorama general del mundo.

Ha de señalarse que la rapidez en el desarrollo de un medio, como el de la electrónica, abre ante el músico un campo insospechado que rápidamente es aprovechado por algunos.

La música electrónica

En sus varias modalidades, la música electrónica es el ejemplo más concreto de esta evolución técnica que cambia radicalmente las posibilidades de composición.

Tiene un proceso de elaboración idéntico en la mayor parte de los casos, que consiste en la búsqueda de un sonido puro, sin un espectro armónico.

Dicho sonido es profundamente desagradable. Este sonido puro también es conocido como tono sinusoidal y, manipulado a través de unos instrumentos electrónicos en un laboratorio, el resultado es grabado y reproducido posteriormente con aparatos de alta fidelidad para su representación. Entre sus cultivadores destacan:

* Eimert (1897). Alemán que comienza su carrera como compositor de música dodecafónica, para ser atraído posteriormente por la electrónica, siendo el primer autor que da un concier to de este estilo en el año 1958.

* Stockhausen (1928). Al igual que Eimert, tiene una época de profundo estudioso de la música serial desarrollando hasta límites increíbles los principios del dodecafonismo, siendo en este sentido discípulo de Webern. A este judío alemán hay que atribuirle el mérito de ser el auténtico creador de la música electrónica, destacando sus obras Contrapunto, Ciclos, Estudio I y Estudio II o Concierto de adolescentes.

De la mezcla con la música concreta que se analiza en este capítulo nace lo que se ha dado en llamar estilo musical electroacústico. Dicha música consiste en el tratamiento electrónico, no de un tono sinusoidal, sino del mismo ruido habitual producido por objetos cotidianos.

Aparte de los autores reseñados, cabe destacar a los siguientes italianos:

* Berio (1925). Con mucho, el más avanzado autor de la vanguardia italiana. Dirige, en el mundo musical, los famosos Incontri musicali, especie de pequeñas reuniones en las que se muestran las experiencias de vanguardia de los diferentes autores. Se caracteriza por unir la música electrónica con la concreta.

* Maderna (1920-1973). A la vez que compositor, es director de orquesta, lo que no le resta tiempo en su faceta como músico de laboratorio. Estudia con dos maestros, Malpiero y Scherchen, y su obra la desarrolla en Milán, donde compone en laboratorios de música. Lo principal de su obra lo constituyen Música para dos dimensiones y Serenata para once instrumentos.

La evolución técnica favorece el nacimiento de una rama de ésta, la cibernética, que trata de la ciencia de las computadoras o cerebros artificiales. La música que se confecciona en estas má quinas es otra modalidad de la música electrónica.

Música concreta

Se trata de un lenguaje musical que participa del absurdo y que hay que entenderlo dentro del ambiente deprimente de la posguerra europea. Parte de un fuerte rechazo hacia los instrumentos considerados tradicionales para usar instrumentos concretos, cotidianos. Los ruidos automáticamente se graban en una cinta magnetofóni ca y posteriormente pasan por una serie de filtros que los deforman, apareciendo la música concreta como tal.

* Pierre Schaeffer (1910). Ingeniero francés, es el principal creador de este estilo musical, gracias al profundo conocimiento del medio electrónico en el que trabaja. Crea con su música un mundo absolutamente subrealista, destacando en su obra Cuatro estudios, Sinfonía para un hombre solo (junto con Henry) y Orfeo.

* Pierre Henry (1927). Junto con Schaeffer, es el principal artífice de esta música. Igualmente de origen francés, de entre su obra cabe destacar: Concierto de ambigüedades, Micrófono bien temperado y, en colaboración con Schaeffer, Sinfonía para un hombre solo.

Música de después de la Segunda Guerra Mundial

Música de después de la Segunda Guerra Mundial

El ultrarracionalismo o el dodecafonismo integral

Esta corriente musical, que nace en la Europa de los años cuarenta, es el culmen del Dodecafonismo como estilo musical, en tanto en cuanto postula una música que proyecta la escala cromática de doce tonos al resto de elementos propios de una composición musical (ritmo, intensidades, timbre). Surgen, por tanto, piezas de carácter ultrarracional; es una música totalmente organizada mediante complicadas leyes.

* Messiaen (1908). Se trata de un compositor y organista francés fundador de un grupo de músicos conocidos como La Jeune France. Su obra serial o dodecafónica se caracteriza por los minuciosos estudios de los ritmos orientales, más concretamente hindúes, o del canto de los pájaros; ello se aprecia en su sinfonía Turangalila. Igualmente es autor del Cuarteto para el fin del tiempo, Visiones del Amén y Tres pequeñas liturgias de la presencia divina.

* Boulez (1925). Discípulo de Messiaen, realiza una revolución musical que le lleva a ser el verdadero creador del ultrarracionalismo. Crea el panserialismo (todo-serialismo) que ya preconizaba Webern, recopilando toda esta actitud estética en un libro que titula Pensez la musique aujourd’hui.

De entre su obra caben destacar Le marteau sans maître, Structures (para dos pianos), Sonata para piano, Doubles, Rituel Inmemoriam Materna, etc. Por último, señalar que su prestigio como director de orquesta es indudable.

La reacción a la música ultrarracionalista

Como producto del auge que toma el estilo musical ultrarracionalista, y debido al dominio que empieza a ejercer en el panorama musical, surge en este ámbito una fuerte contestación, producto de la cual van a aparecer una serie de estilos que postulan posiciones musicales parecidas, pero que tienen manifestaciones diferentes. Así, todos los antidodecafonistas hablan de un irracionalismo, pero lo llevan a cabo de diferentes formas:

* Música aleatoria
Este estilo surge en los años sesenta, dentro del espíritu antirracionalista, y fuertemente influido por otra corriente literaria de postulados similares. Es la escritura automática, técnica que consiste en ponerse a escribir las ideas que primero van a la mente, de manera torrencial. El músico aleatorio ejecuta la composición de la misma forma, espontáneamente, sin dejarse llevar por ningún tipo de influencia, pudiéndose hablar entonces de música aleatoria pura. Si se realiza en torno a una partitura ya empezada, y que el músico debe terminar o completar durante su ejecución, se trata de música aleatoria probabilística o de forma móvil. Como resumen, se puede decir que es música aleatoria aquella que depende del azar.

Este estilo musical tiene un fuerte paralelismo en el arte cinético, que consiste en la realización de esculturas que al ponerse en movimiento ponen en funcionamiento una serie de elementos que, al cambiar de posición, muestran distintas formas, todas ellas aleatorias. En este movimiento únicamente destaca un autor: Brown (1926). Este compositor estadounidense llega a ser conocido por su obra Available forms, pieza de música aleatoria.

* Música estocástica o conjetural
Con el mismo espíritu de la música aleatoria, usa de las computadoras y de su capacidad estadística para confeccionar música, también aleatoria. Entre sus seguidores destacan especialmente:

* Xenakis (1922). Arquitecto a la vez que músico, ha trabajado con Le Corbusier y estudia música con Messiaen. Su conocimiento de la matemática le induce a componer una música considerada como estocástica, y así destacan sus obras Metástasis, Achorripsis, Analogique A y B, Eonte, etc.

* Ligeti (1923). De origen húngaro, también es un profundo cultivador de la
música estocástica, buscando nuevos timbres a base de usar instrumentos tradicionales preparados y objetos actuales como las cintas magnetofónicas, las oscilaciones eléctricas, etc.

* Kagel (1931). Compositor originario de Argentina, es también un investigador de las técnicas estocásticas. Su personalidad viene a significar el principal representante de la vanguardia en Iberoamérica.

Panorama actual

El primer hecho constatable a la hora de estudiar el panorama actual es la dificultad para parcelar cualquier estilo musical que surja hoy día. Esta dificultad, que ya existía durante el período de las vanguardias, se convierte en algo endémico cuando se trata del período actual. Los músicos de hoy ensayan e investigan sobre el sonido sin que se les pueda situar en un lugar concreto, a lo sumo esbozan algunas cualidades propias de estilos musicales vigentes hace ya treinta o cuarenta años. Ello induce a pensar en un hastiamiento de carácter estilístico, lo que obliga a los músicos a retomar antiguos estilos. Esto ocurre con la denominada escuela polaca que deja entrever cualidades típicamente expresionistas.

El fenómeno de repetición temática, técnica y estilística que se observa en el mundo musical también empieza a observarse dentro del ámbito de las restantes artes plásticas, lo que induce a algunos autores a postular un escepticismo sobre el futuro de determinadas modalidades artísticas.

Además, todo este agotamiento se agrava si se tiene en cuenta el bombardeo masivo de los medios de comunicación actuales, que producen un cambio cualitativo en la relación público-música. La existencia de discos, cintas magnetofónicas, televisiones, aparatos de alta fidelidad, etc., al alcance de cualquier bolsillo, producen un tipo de audiencia más dispersa y difusa que, además, es una consumidora de música. Esta dispersión dificulta el conocimiento de los actuales gustos musicales. Como se ha dicho anteriormente, del panorama actual cabe destacar la escuela polaca, la única que tiene una cierta fuerza y en la que resaltan dos músicos fundamentalmente, Lutoslawski y Penderecki.

* Lutoslawski (1913). Uno de los más caracterizados responsables del actual movimiento de vanguardia, cuenta con una sinfonía, un concierto, música de cámara y sus variaciones sinfónicas.

* Penderecki (1933). Es el principal representante de la escuela polaca de música de vanguardia. Su importancia radica en que investiga las nuevas posibilidades de los instrumentos tradicionales, mezclados con la voz humana. Con esta técnica se recuerda en ocasiones al Expresionismo musical del período de entre guerras europeo. Destaca su Anaklasis, Threni, La Pasión según S. Lucas, Fluorescencias, Los demonios de Londres y, últimamente, El paraíso perdido.

De entre el resto de autores europeos es de señalar que en Italia, una nación con una larga tradición musical, aparece otro gran compositor, Nono, personalidad que en la actualidad está creando escuela en ese país.

* Nono(1924). Discípulo de Maderna y seguidor del serialismo de Webern, crea su propio estilo musical que comienza a captar adeptos en su país rápidamente. Compone Il canto sospeso, Incontri y las óperas Intoleranza 1960 y Il gran sole carico d’amors.

Leave a Reply

  • Responsable: Octavio Ortega Esteban
  • Fin del tratamiento: Controlar el spam, gestión de comentarios
  • Legitimación: Tu consentimiento
  • Comunicación de datos: No se comunicarán los datos a terceros salvo por obligación legal
  • Derechos: Acceso, rectificación, portabilidad, olvido.
  • Contacto: Octavio[arroba]kerchak.com
  • Información adicional: Más información en nuestra política de privacidad